Estética

Bom Retiro, meu amor II

img-20181218-wa0010

Luka Krsux, Ana Elisa Moro, Flávia Sztutman, Juma Tanaka, Angelita Alves e Leandro Soussa em plena Feira Fashion. No canto direito, o codiretor Rogerio Tarifa.

A nova comunidade tem como finalidade a própria comunidade. Isto, porém, é a interação viva de homens íntegros e de boa têmpera na qual dar é tão abençoado como tomar, uma vez que ambos são um mesmo movimento, visto ora da perspectiva daquele que move, ora daquele que é movido. (Martin Buber)

Onde dar é tão abençoado como tomar

Luiz Alberto Sanz

Fotos: Graciela Rodriguez

Nos meus encontros com o Teatro Popular União e Olho Vivo, ao longo de décadas, foi crescendo um sentimento, uma sensação, de que em seu seio e no de outros grupos que receberam sua influência, como Cambada de Teatro em Ação Direta Levanta FavelA e Brava Companhia, está em processo uma transformação definida pelo filósofo Martin Buber há muito tempo: o surgimento da Nova Comunidade.

E a nova comunidade tem como finalidade a Vida. Não esta vida ou aquela, vidas delimitadas, em última análise, por delimitações injustificáveis, mas a vida que liberta de limites e conceitos, pois conceitos são curiosas andas para pessoas cujos pés não suportam a terra por ser demasiado áspera e selvagem; entretanto, aquele que conseguiu situar-se na própria vida, aquele que aprendeu a falar a linguagem da ação, festejará sorridente sua libertação da rigidez escravizante do pensamento, e após longo afastamento, a reunificação de suas forças na unidade da vida. Na verdade, há também em homens individuais comunidade e harmonia de contradições que existem lado a lado. (Buber, M., Sobre Comunidade. São Paulo: Perspectiva, p.31 e 32)

Bom Retiro, meu amor, no processo de pesquisa e criação, nos ensaios, nos bastidores, na encenação, nas confraternizações pós-espetáculos e até nas redes sociais, habitualmente espelhos de vaidades, respira e transpira esse espírito de diálogo e comunhão tão fundamental no pensamento e na obra de Buber. O espetáculo e o grupo, em simbiose, formam um caleidoscópio no qual convergências e contradições se harmonizam e vivem lado a lado.

Em seu livro fundamental, Eu e Tu, Buber finca as raízes da Filosofia do Diálogo, que vai desenvolver e enriquecer ao longo de sua obra, especialmente, para mim, nos textos incluídos pela editora Perspectiva nos livros Do diálogo e do dialógico e Sobre comunidade.

Para nós, porém, que queremos criar a comunidade e elevar a Vida, comunidade e Vida são uma só coisa. A comunidade que imaginamos é somente uma expressão de transbordante anseio pela Vida em sua totalidade. Toda Vida nasce de comunidades e aspira a comunidades. A comunidade é fim e fonte de Vida. Nossos sentimentos de vida, os que nos mostram o parentesco e a comunidade de toda vida do mundo, não podem ser exercitados totalmente a não ser em comunidade. E, em uma comunidade pura nada podemos criar que não intensifique o poder, o sentido e o valor da Vida. Vida e comunidade são os dois lados de um mesmo ser. E temos o privilégio de tomar e a oferecer a ambos de modo claro: vida por anseio à vida, comunidade por anseio à comunidade. (idem p32)

É nítida a benção que recebemos dos criadores, executores, produtores e apoiadores de Bom Retiro, meu amor, quando nos oferecem vida por anseio à vida, comunidade por anseio à comunidade. Colhem de nós, público, que a eles os oferecemos prazerosamente, os olhares, os gestos, as atitudes de aprovação ou desaprovação, geradas dialogicamente por suas atitudes, olhares, palavras, gestos, timbres, notas musicais, efeitos sonoros e de luz, cores e formas cenográficas, de adereço e vestuário. Essa beleza que os bons espetáculos transmitem. Omnipresente, Cesar Vieira mostra o caminho, regendo as dramaturgias, observando incansavelmente cada detalhe, aconselhando, sugerindo e harmonizando todos os aspectos do espetáculo que é, sem dúvida, a marca da contemporaneidade do TUOV, resistindo e avançando ininterruptamente há 53 anos.

Forma-se uma comunidade multifacetada na qual interagem bastidores, palco e plateia. Por mais efêmera que seja sua duração, os rastros e consequências continuarão em nossas memórias e sentidos, refletindo-se em nossa atitude perante a vida.

Polifonia

É difícil escrever sobre as partes que compõem um espetáculo verdadeiramente bom. Se algo se destaca a ponto de a plateia notar é sinal de fraqueza, rachaduras no casco do navio.

Sobretudo a boa direção não é obviamente identificada pelo público comum. Apenas lá está, seja individual, em parceria ou coletiva. Sem ela, o espetáculo moderno não existiria, não teria a unidade e a harmonia demonstradas em Bom Retiro, meu amor. Mas é essencial que apreciemos não apenas a “unidade diferenciada de alta complexidade” da Teoria das Estranhezas de UED Maluf, citada aqui no artigo anterior. Os isomorfos, ou fragmentos, que interagem para compor essa unidade têm vida própria. Se não fosse assim, teríamos apenas uma amálgama sólida, mas informe, sem atrativo.

Um dos elementos mais notáveis deste espetáculo, que tem por linha narrativa a diversidade trazida pelas migrações que fizeram a particularidade do Bom Retiro, é seu caráter polifônico. Não tomemos a palavra literalmente, reduzindo-a ao sentido musical. Embora ele possa ser o ponto de partida desta análise. A trilha sonora criada por Rogério Guarapiran (também membro da Comissão de Dramaturgia) é polifônica, estrito senso. Não somente combina músicas independentes, como harmoniza vozes e sons diversos simultaneamente.

img-20181216-wa0007
Lívia Loureiro canta “Duerme Negrito”, ladeada por Juma Tanaka e Angelita Alves, enquanto Mei Hua Soares desenreda o fio da história das oficinas de suor.

Isto se evidencia, entre outros pontos, em uma das subcenas mais fortes, que pausa e frisa a cena da tragédia de Romeu e Julieta proletários: Lívia Loureiro interpreta de maneira magnífica e pungente, Duerme Negrito, canção de ninar da região fronteiriça entre Colômbia e Venezuela, capturando a atenção do público com sua voz e a clareza das palavras. Iluminação, música, interpretação, cenário e figurino ressaltam o caráter expressionista desta inserção, quebrando o realismo épico para que volte com ainda mais força. Uma quebra dramática que acrescenta uma nota particular à polifonia do espetáculo.

A trilha contextualiza as épocas de migração associando ritmos delas contemporâneos. Há que destacar todos os membros da “banda”, que tocam e trocam de instrumentos e participam do elenco com talento e maestria. Babi Pacini nos oferece suas belíssimas e suaves voz, postura corporal, face e interpretação. Pedro Fraga, nas cordas e na interpretação e Babi trazem a experiência do conjunto Samba do Bule, assim como o coordenador musical Cesinha Pivetta. Este, desde a infância no TUOV. Na percussão, o também ator Oswaldo Acaleo, aportando a consciência e a práxis que construiu na vida de lutas e na longa jornada do Olho Vivo, no qual foi protagonista de João Cândido do Brasil, a Revolta da Chibata e teve papel relevante em A cobra vai fumar. Desta vez, afastado das atividades teatrais, foi assistir a um ensaio e, convidado, voltou ao grupo, reforçando a interação entre os novos e a tradição.

A polifonia se afirma também na diversidade de vozes que contam uma só história em outra das cenas que mais me impactaram. Um dos clímax da peça: as mulheres da vida. No que seria um monólogo em um teatro dramático tradicional, as atrizes contam na primeira pessoa uma só história que é, em si, a de um mosaico de mulheres levadas à prostituição por uma sociedade injusta e exploradora. Não é a das mulheres que escolhem ser profissionais do sexo, mas das proletárias sem alternativas. Diversas vozes, diversos corpos, diversos movimentos se harmonizam, não afloram as possíveis diferenças técnicas e artísticas, não se rompe o mosaico. São diferentes, mas são uma. Parabéns Juma Tanaka, Ana Elisa Moro, Mei Hua Soares, Angelita Alves, Danila Gonçalves e Flávia Sztutman.

O início e o fim

E assim é, desde o começo da encenação, quando os intérpretes fazem um chamado aos espectadores, cantando o hino do TUOV, para que se tornem público; e será até o final, quando deixam à plateia a responsabilidade de ser atores de sua própria história. Restaura-se um arco que nos leva aos momentos finais do espetáculo fundador do grupo: O Evangelho Segundo Zebedeu, no qual os artistas do circo conclamam a rebelião, sem obter resposta. Então, como agora e sempre, cabe ao público refletir e agir. Suas contribuições à polifonia são o silêncio, as palmas e as vozes que debatem em suas mentes.

Chamados os espectadores a seus lugares, elenco e personagens entram em cortejo, conduzidos pelo Rei Momo (Neriney Moreira), da peça do mesmo nome, ponto alto no repertório do grupo, e seus súditos mestre-sala e porta-bandeira Romeu (Leandro Soussa) e Julieta (Juma Tanaka), compondo a comissão de frente que recepcionará os imigrantes e “costurará” a conexão entre cenas diversas, com destaque no féretro de Julieta e Romeu. Papel semelhante desempenham os intérpretes de Julieta (Mei Hua Soares, também integrante da Comissão de Dramaturgia) e Romeu (Dante Kanenas), cujas personas são aedos desta tragédia, assim como o fantoche Saci (manipulado pela Catadora de Lixo/Danila Gonçalves) que, comenta, desconstrói, critica enredo e falas enganosas.

Juma e Leandro desfilam e dançam com grande habilidade e beleza. É difícil ser porta-bandeira e mestre-sala em qualquer lugar, ainda mais em espaço tão estreito quanto o da passarela do TUOV, com público sentado no chão. Além de dançarem belamente, com postura clássica, como é o desejável, cumprem os preceitos básicos de seus personagens: a bandeira em momento algum deve ou pode tocar ou ser tocada, até que o mestre-sala a segure para beijá-la e exibi-la, aberta, para a plateia. E este deve proteger bandeira e porta-bandeira o tempo todo.

Como todos no elenco, Juma e Leandro assumem outros personagens, seja na greve de Perus, no desfile de modas ou na mobilização das “oficinas de suor” onde costureiras e alfaiates subalimentados trabalham até a exaustão. Mas têm a seu cargo escoltar o Momo que ora quer desanimar os imigrantes desmanchando seus sonhos de um futuro maravilhoso, ora busca submetê-los ao seu poder monárquico, para, logo, curvar-se aos argumentos dos recém-chegados e às ponderações do conselheiro mestre-sala e entregar ao povo sua coroa e deixar a História e a história seguirem seu rumo.

A chegada dos imigrantes é um abre-alas tragicômico em que se associam sofrimento, esperança e farsa. A partir daí, o espetáculo prende a atenção e desperta a curiosidade. É preciso olhar para todos os lados, pois cada ângulo nos conta algo diferente. Assisti ao ensaio geral no sábado 15 e aos dois espetáculos de estreia no domingo 16, sentado em diferentes posições na plateia. Em cada um descobri coisas novas e percebi como toda a equipe aperfeiçoou a encenação, confirmando uma máxima da tradição teatral: o espetáculo só está pronto quando acaba. A cada momento, todos nele envolvidos recebem diferentes estímulos e aprimoram, inovam.

O amor é mais forte que o revólver

O clímax da encenação é a sequência de cenas em torno da indústria da moda, composta pela “feira fashion”, as intervenções da “Catadora de Lixo Fashion” e do seu amigo Saci, as “Oficinas de suor”, o “Romance de Romeu e Julieta costureiros” e seu desfecho com a morte dos amantes resumida na canção “O amor é mais forte que o revólver”, até onde sei, criação coletiva, interpretada por Dante Kanenas em expressivos entoação e “gestus” épico. Do desfile de modas participa praticamente todo o elenco, com Flavia Sztutman, Leandro Soussa e Luka Krsux frisando o tom grotesco e Juma Tanaka, Angelita Alves e Ana Elisa Moro harmonizando a sátira com movimentos incisivos, embora afetados.

danila, o saci, mei hua e eu
Danila Gonçalves e o Saci mantêm o público e seus colegas em suspenso. Vejam o olhar de Mei Hua Soares para ela.

Aqui, preciso falar de Danila Gonçalves. Jamais a vira representar, assim como à grande maioria dos demais membros do elenco. Para mim, é uma atriz completa, que se aperfeiçoará na jornada que tem pela frente. É jovem, mas já nos pega pelo nariz e pode dizer: Estão ouvindo o que estou dizendo? Estão vendo o que estou fazendo? A um tal ponto que seus próprios colegas param para observá-la. Há uma foto que incluí nesta matéria em que aparecemos, o público (eu entre outras pessoas), de um lado, e Mei Hua (outra atriz extraordinária), olhos brilhantes, pendentes de sua interpretação. Na subcena que se segue à feira fashion, em alguns movimentos da melhor tradição circense, Danila coloca um fecho estrondoso à derrocada da indústria.

Nesta sequência, o que se destaca é, mais uma vez, a polifonia no sentido amplo, em que direção, figurinos, adereços, música, iluminação e interpretação se harmonizam e impactam, tecendo uma unidade em que horror e beleza não se opõem. Em que o lindo e bravo casal executado por se amar e seu amigo por defender seu direito ao amor, tornam-se símbolos de uma mudança que há de vir, “uma expressão de transbordante anseio pela Vida em sua totalidade”.

As atuações de Mei Hua Soares e Dante Kanenas têm que ser destacadas. Narram enquanto agem, mantêm o ritmo comedido e a emoção contida, embora intensa, forte. Seu distanciamento permite que o impacto emocional se dê na plateia onde é seu lugar, negando-lhe a catarse. Marcaram-me profundamente.

E o final? O final fica por conta de um diálogo-duelo de dois bons intérpretes, o veterano Neriney Moreira e o novato Luka Krsux, com a plateia. A cada sessão deverá crescer dramaturgicamente.

Um espetáculo com tantos matizes de todos os tipos não existiria sem a Direção Geral e a Codireção sábias e apaixonadas a cargo de Cesar Vieira e Rogerio Tarifa e a Coordenação artística, de cenários e figurinos de Graciela Rodriguez, que já vem, a cada montagem do TUOV, refinando cenários e vestimentas. De gerações e formações distantes, interagem confirmando a frase de que tanto gosto, dita em cena por Dante Kanenas: “O tempo não é dinheiro, é o tecido de nossas vidas”. Juntos, tecem uma nova vida, tendo como parceiros alguns dos melhores profissionais hoje em atividade: Luís Mármora no treinamento de atuação, Ester Freitas no treinamento vocal, Marilda Alface na preparação corporal, Gil Teixeira na iluminação, Walter Quaglia na pesquisa, Maria Tereza Urias na Direção de produção, Natasha Karasek na produção e Renê Kostanny na assistência de produção. Particularmente notável é a equipe de Cenografia e Figurino, com Lívia Loureiro, assistente, e os ajudantes Juma Tanaka e Edson Rocha.

Só posso desejar que os leitores usufruam da encenação como eu estou fazendo.

Serviço: O espetáculo entra em temporada hoje, 12 de janeiro de 2019, no Teatro Popular União e Olho Vivo, à rua Newton Prado 766 no Bom Retiro, São Paulo, Capital. Duas sessões, hoje e amanhã às 16:30 e 19:30h. Ingressos serão distribuídos gratuitamente, com uma hora de antecedência.

Electra na visão de Caccoyannis[1]

Electra I

Luiz Alberto Sanz

 

A diferença entre o teatral e o cinematográfico na realização de filmes, muitas vezes fica apenas na identidade de um homem com sua câmera. Argumentam para mim que ELECTRA nada tem a ver com cinema por sua mise-en-scène ser teatral, por ter Caccoyannis mantido a sensação da existência de um palco. Não é exatamente verdade. Caccoyannis, na realidade, toma como base estrutura que se atribui à representação do Teatro grego em Agrigenti (não vi, não posso afirmar) ou o que seria uma apresentação teatral, com a particularidade de que sua visão é claramente cinematográfica, já que parte do ponto-de-vista de que película e câmera são mais do que a boca do palco ou o ponto-de-vista da plateia, tornando-as integrantes da ação (não um personagem adicional, mas parte interessada) com técnicas modernas de montagem e movimentação que aumentam sua força.

Caccoyannis foi à procura da essência de Electra, de seu coração e sua alma. Não ficou simplesmente na visão de Eurípedes, conhecedor profundo que é do mito e das tragédias dele oriundas. Não se limitou a visão de superfície, a simples montagem da tragédia. Fez seu trabalho trágico como o personagem. Gritou com todas as forças quando das mortes de Agamennon e de Clitemnestra e quando da perdição de Electra. Surgiu com sua alma ferida e romântica à procura de Electra, junto com Orestes e Pílades.

A estrutura da tragédia de Eurípedes é vista por Caccoyannis como algo dinâmico, moderno, que não mofou ou invalidou-se. Permite que se desenvolva, avance, exista sem um tempo exato, antigo, faz com que tenha valor contemporâneo, atual, e permanente. O drama se passa hoje mesmo, ontem, talvez amanhã. Não é uma questão (como no geral dos filmes históricos, mesmo os melhores) de manter a interpretação da história em sua época, sem permitir-lhe a atualidade. Esta presença histórica da tragédia como atemporal é que lhe dá a dimensão clássica. (Citaria como exemplo o HAMLET de Olivier, que mantém a representação teatral shakespeariana, confrontada com o Cinema em si, transformando a grande tragédia em uma presença acadêmica).

O filme de Caccoyannis se desenvolve em tensão incontrolável, em visão fantástica. Digo que passei por todo o filme pendurado, tenso, ferido pela presença dos personagens, por suas fantásticas existências (não são personagens, são gente, homens e mulheres presentes e vivos).

A utilização do coro grego como solução cinematográfica é um dos ingredientes especiais do filme. Mexem-se rítmica e doloridamente, com suas faces e atitudes trágicas, com suas existências marcadas e suas vozes pungentes. São a consciência do povo grego, são seu espírito e sua expressão. Sua presença na notícia da morte de Egisto, em que se tornam integrantes da ação, da luta heroica de Pílades e Orestes. A morte de Egisto é descrita através da luta dançada de guerreiros mascarados (talvez macedônica, muito semelhante à apresentada ao público brasileiro pelos georgianos).

Electra II

Luiz Alberto Sanz

 

Deixe meus olhos acariciarem a liberdade. Eurípedes in Electra

As esperanças vãs do coração de um Homem,
ora são cinza, ora esplendor, porém, em breve,
como por sobre o pó dos desertos a neve,
brilham somente uma hora ou duas e após somem.
Omar Khayyam in Rubaiyat – Rubai XVII.

Electra sustentou no peito, por anos incontáveis, o ódio sobre a morte de seu pai, principalmente por seu próprio apresamento e degradação. Lançada à inconcebível pena, para ela e seus iguais, de misturar-se à plebe, Electra o sente e chora desesperada, mas se vê livre e amada, vindo a perceber que a pobre casa pode ser um palácio, e que, muitas vezes, há mais nobreza entre os pobres que entre os fidalgos (mais ou menos o que diz o diálogo). Electra ali encontra seu povo, mas não pode amá-lo nem compreendê-lo verdadeiro pela intensidade do ódio que guarda. Virá a entender ao final, quando o esgota e percebe que sua vida está acabada, apesar da pequena esperança que é Pílades.

Sim, as vãs esperanças de realização da sua vingança, as vãs esperanças de conforto com o seu ato, tanto nela quanto em Orestes são como no rubai de Kayyam, como ele se desenvolvem.

Electra entende que amara sua mãe. Tal quantidade de ódio, tal intensidade, traz algo de grandioso em sua frustração do amor. Orestes era quase nada ainda quando da morte de Agamennon. Seu entendimento era praticamente nenhum, mas foi criado com o fito de vingar-se, de recuperar de Egisto o trono. O ósio por Clitemnestra é ainda maior, completamente insano, descontrolado. Ifigênia, a irmã dos protagonistas, foi morta por Agamennon em sacrifício aos deuses ao partir para a conquista de Tróia, daí a ira da rainha. O Rei passa dez anos na guerra e Egisto assume seu lugar na cama. Este será o instrumento do regicídio e ficará como joguete de Clitemnestra.

A princesa é forte em seu ódio. Só ele a sustenta e com seu fim cairá desmanchada e desesperada. Sem ele não terá mais forças, não mais ficará em pé. Uma sombra que, ao final, será seguida por Pílades.

O resto é dor, o resto é morte, o resto é sentimento dos mais poderosos, lançado impetuosamente ao espectador. O esplendor trágico do amor de Electra, concentrado quase que totalmente no ódio (há uma réstia de afeto quando Orestes, incógnito, lhe chega falando de si próprio). Há grandiosidade em seus olhos lamentosos desrecalcando-se (em chispas de fogo) sobre o corpo morto do vil Egisto. Há amor e ódio em seus corpos doridos e cansados, em suas faces tensas e tristes, em suas palavras de reflexo do inconcebível de sua perda da realeza, quando de sua presença sobre o túmulo de Agamennon.

Electra estivera encarcerada por tanto tempo, por tantas fases, que vê entre aqueles homens a liberdade, que vê em seu ódio o poder trágico de todo o seu povo. Sua destruição humana é belamente construída, seu encontro com a falsa liberdade e seu desengano, ao entender que o nobre realmente está nos corações pobres que os abrigaram e receberam, apesar de seu ódio e desprezo. Orestes o entende melhor.

Sobre Irene Papas só tenho uma coisa a dizer: após vê-la, será difícil imaginar outra Electra, mesmo em sonho.

[1] Esta é uma versão revista da crítica sobre Electra de Michael Caccoyannis publicada em duas partes na coluna de cinema do Jornal do Commercio do Rio de Janeiro, em 30 de abril e 05 de maio de 1964, à página seis do primeiro caderno e assinada pelo autor como Luiz Alberto, simplesmente.

Contagem Regressiva

Série documental em quatro partes:
Remoções – https://www.youtube.com/watch?v=OoblOhnXCyE&t=53s
Controle Urbano – https://www.youtube.com/watch?v=OoblOhnXCyE&t=53s
Zona Portuária – https://www.youtube.com/watch?v=sT6BAbnKD68&t=53s
Mobilidade – https://www.youtube.com/watch?v=qt6kuxTHnJs&t=68s
Melhor Documentário e Melhor Trilha Sonora no RioWebFest2016
Realização: Justiça Global e Couro de Rato (2016)

Uma viagem no espaço-tempo

Luiz Alberto Sanz

No curso científico (o atual ensino médio), fui implacavelmente mal em Física, o que me convenceu a largar os estudos e dedicar-me ao Jornalismo e às Artes do Espetáculo. Apesar dessa inimizade entre mim e a Ciência, sempre me fascinaram contos e romances de Ficção Científica, sobretudo os que difundiam conhecimentos e especulações sobre o espaço-tempo, viagens temporais ou intergaláticas, “buracos de minhoca” e multiversos.

Com o correr dos anos, pesquisando a linguagem cinematográfica, passei a compreender os filmes, grosso modo, como representações físicas de fatias do espaço-tempo, em que as três dimensões visíveis (profundidade, largura e altura) são comprimidas[1] e a quarta, o tempo, assume papel preponderante. Apesar de ser apenas percebida, é a que permite identificar ou diferençar dois eventos idênticos que ocorrem no mesmo ponto do espaço. Segundo uma citação muito repetida de Einstein o tempo é “uma ilusão. A distinção entre passado, presente e futuro não passa de uma firme e persistente ilusão”).

Roteirizando CD-Roms educativos, passei a ver hiperlinks de texto, imagem e vídeo como portais ligando determinados eventos (pontos no espaço-tempo) com pessoas, personagens e acontecimentos passados e futuros e/ou universos paralelos[2].

Transmutação e distanciamento

A série documental Contagem Regressiva, de Luis Carlos de Alencar, é um bom exemplo desta minha visão. Não só é uma tetralogia em que eventos e pessoas de um episódio dialogam com os de outros, paralelos no tempo e no espaço, mas também abre esses portais para o que já aconteceu ou ainda está por vir. Além do mais, o que muito me agrada, o distanciamento de sua linguagem contribui para que o espectador reflita e construa, autonomamente, conexões com o tempo e o espaço atuais, retirando ao filme e aos fatos e pensamentos nele expostos o mero caráter de registros.

E aqui surge outra característica essencial dos registros, sobretudo os audiovisuais. Adquirem novos propósitos com o tempo, sem perder os originais. Transmutam-se. Em Dramaturgia da Informação Radiofônica[3], tratei deste fenômeno, que é comum às diferentes linguagens da Comunicação Social e das Artes Espetaculares, que se comunicarão

[…] sempre no presente, independentemente de emitir reprises, documentos históricos ou qualquer outro aspecto ligado à memória. A transmissão e a recepção estarão acontecendo naquele e só naquele instante. Reprises e retrospectivas trazem de volta ao presente o acontecido, a coisa feita, a ação agida. (…) só existem concretamente enquanto estão no ar (…). No momento seguinte serão lembrança, como no anterior foram expectativa, antecipação. [Capítulo III – Tempo e Espaço, do real ao imaginário, p63]

O espectador terá uma sensação nova a cada exibição.

Por mais conhecida que uma obra seja, ele perceberá sons e ideias que não correspondem ao registrado em sua alma e em seu consciente. Pode frustrar-se ou apaixonar-se ainda mais. Pode assombrar-se com detalhes que não apreendera da primeira vez. Mas cada audição será única e atual. Modificam-se as condições de transmissão e recepção. Não apenas do ponto de vista tecnológico. Também os tempos psicológico e biológico do ouvinte já não serão os mesmos, alterando sua receptividade. A ação – uma das três unidades clássicas (ação, tempo e espaço) – é dos fatores mais importantes que conduzem a isso. Dialeticamente, modifica a percepção do público e abre caminho para, numa segunda audição, a descoberta de aspectos não pressentidos. [idem]

Assim, as malfeitorias de autoridades e ex-governantes e a bravura, clareza crítica e compreensão da realidade dos resistentes nas lutas que antecederam os grandes eventos mediáticos e financeiros objeto do filme podem ser vistas e entendidas no cenário das suas consequências. Mas também lá está, capturada na sua mente como em um cubo no qual convive paradoxalmente com ela mesma, a História recente, atual e futura da luta de classes.

Sem distanciamento não há reflexão. O espectador purga o sofrimento dos personagens, sofre-o com eles, torna-se vítima dos malfeitores de sempre, os que oprimem, reprimem. Não é chamado a traçar suas próprias estratégias e táticas. Pode, reconheço, ser incitado a rebelar-se. Mas não se transmuta, transforma. Segue as regras do jogo. Não as define.

Tenho viajado com e por Contagem Regressiva enquanto escrevo e reflito. São meus guias suas ferramentas dramatúrgicas: roteiro, diálogos, fotografia, captação de som, trilha musical e de ruídos, locações, edição e direção (esta regência própria do fazer cinematográfico). E, como referências, os saberes, emoções e conhecimentos que formam o mosaico da minha compreensão do mundo. O que vivi, li, vi e escutei.

Caixa de mudança

Na série me fascinam, sobretudo, os prólogos e epílogos poéticos. Reforçam belamente as conexões entre os eventos, sequências e episódios. Desempenham um papel fundamental na construção e consolidação desse distanciamento que sobressai como a veia principal da dramaturgia do filme. Porém, Contagem Regressiva é obra de criação coletiva, um caleidoscópio no qual cada participante, incluindo o espectador, é um criador. E cada fragmento (planos, ruídos, falas, locação…) é uma unidade diferenciada que interage com outras em uma unidade de alta complexidade [4]. Não há desarmonia, mas tampouco há pasteurização. Cada um dos mosaicos que se sucedem no caleidoscópio, assim como cada um dos fragmentos que os compõem, pode ser recombinado, mas suas partes essenciais seguirão inseparáveis, pois contêm o todo.

Os versos de Eliane Freitas e a música tema de Mano Teko e MC Lasca circunscrevem cada episódio, no que seriam, convencionalmente, começo e fim, mas que, de fato, são aberturas, passagens de e para o tempo atual e outras narrativas.

— Quanto cabe na caixa de mudança?

Pergunta Elaine Freitas aos 16 segundos de Remoções. Sua voz suave, serena, amigável, contrasta com as ruínas captadas pelas imagens. A melancólica música de fundo serve de moldura e ajuda a perceber que aqui se fala de muitas caixas de mudança, não só das que recolherão

Os passos da primeira infância?
As paredes pintadas com nossas cores preferidas?
O sangue e a dor desta ferida
aberta à força do trator
tentando derrubar a história de conquista da moradia?

Estamos juntos, personagens, espectadores e realizadores, penetrando em uma caixa tetradimensional que nos mudará, para melhor ou para pior.

Logo mais, o funk carioca de Mano Teko e MC Lasca faz uma síntese e opina sobre o que vem e vai, enquanto corre o clip que introduz os títulos da série e do episódio:

Contagem regressiva para os jogos
Maior número de corpos
Medalha de caveirão
Recado desse prefeito é claro
Periquito um fracasso da militarização (dá não)
Trocar esse governo muda nada
Genocídio salta alto
Vem bala, vem remoção
Porto maravilha atende a quem?
Sem hoje, amanhã não tem
Sangue nos olhos, pé no chão

Este é, formalmente, o primeiro episódio da série. O que, considero, não passa de uma convenção. Poderá ser embaralhado com os outros, como acontece no Youtube, e assistido “fora de ordem”, livre da lógica aristotélica que condiciona a poética e a dramaturgia a terem princípios, meios e fins.

O que nos impede de começar pelo quarto episódio e ficar sabendo, com tristeza, que Elaine Freitas morreu, em 20 de julho de 2016, antes de a tetralogia ser terminada? De ouvir seus versos finais ditos para a câmera e senti-los no percurso das próximas três partes dessa nossa história, como um estímulo à nossas razão e imaginação?

O mundo que a gente nasceu sabendo conquistar
Se reduz ao chão na cidade de exceção:
Ali vai ficar a ruína da casa da qual me empurraram pra fora
A ruína do corpo sem nome ou memória
Da vida no vão pra outra ocupar seu lugar na plataforma.
Mas isso importa?
Com tantos fogos de artifícios pra distrair,
Com tanta convicção vazia para disputas entre bandeiras,
Como quebrar o silêncio ruidoso da celebração com as pedras dessas ruínas?
Uma voz é fraca pra gritar quando se encontra sozinha.
Só o encontro e o confronto desativam a bomba relógio em contagem regressiva.
Coletiva, uma nova construção pode ser erguida.
Coletiva, uma nova construção pode ser erguida.
[Elaine Freitas]

Polifonia

O que importa a cronologia, se agora está tudo acontecendo no mesmo momento e no mesmo lugar? Se vamos encontrar, no percurso, interlocutores articulados que nos revelam a realidade e os sonhos da Estradinha, da Favela do Metrô, da Vila Recreio 2, da Vila Harmonia, de Pedra de Guaratiba, Saúde, Gamboa, Santo Cristo, Morro do Pinto,

Acari, Alemão, Maré,
Providência, Chapéu, Cantagalo,
Pavão, Babilônia, Jacaré,
Manguinhos, São Carlos:

toda favela sempre sabe,
quando cala ou quando grita,
que a mão a ordenar e enfeitar a cidade
é a mesma mão que engatilha a chacina.
[Elaine Freitas]

Dores e anseios de todos, os negros, pobres e marginalizados da cidade, da região que a engloba, do estado que faliu junto com o município e do país que jamais conheceu sequer os preceitos fundamentais da Revolução Burguesa: Liberdade, Fraternidade e muito menos a Igualdade, quanto mais os estabelecidos pelo socialista utópico Louis Blanc em 1839: De cada um conforme seus meios, a cada um conforme suas necessidades.

As falas desses interlocutores formam um coral polifônico em que as diferenças não são convicções vazias, nem lamúrias, mas sim pedras dessas ruínas e contribuem para quebrar o silêncio ruidoso que ainda perdura. São vozes da resistência organizada (essa que muitos juram não existir), que constroem o futuro, esteja escrito ou não no campo da Física. Informações e reflexões novas, repetidas, enfatizadas ou renovadas. É preciso reiterá-las, enquanto existam malfeitos e malfeitorias, enquanto existam poderosos e seus serviçais:

— O Prefeito pode vir, destruir uma casa, remover os entulhos, mas não consegue remover a História do coração do morador… (Irmã Fátima – Estradinha)

— Quanto mais essa cidade é uma cidade-espetáculo, quanto mais está prevista para megaeventos constantes, mais ela precisa garantir uma sensação de segurança. (Deley de Acari)

— De verdade, as melhorias que foram prometidas de esporte, lazer e tal… sinceramente, elas não aconteceram. Fora as tensões que a gente vive com essa situação que a gente não consegue lidar de uma forma amigável porque uma das partes não propõe afetividade… Propõe a repressão, propõe a opressão a todo momento… (Léo Lima – Jacarezinho)

—… a menor das perdas é a casa. O que você perde é a referência. Vocês chamam de pertencimento… (sorriso irônico) palavra nova, né?… (Jorge Santos – Vila Recreio 2)

—… esses jovens também, que estão dentro aqui, que são de periferia… Como é o deslocamento deles? Não se deslocam… Há um prejuízo cultural e de integração muito grande… (Leila de Souza Netto – Pedra de Guaratiba)

Não importa a ordem, cada parte contém o todo.

— A gentrificação mudou muito a favela. As pessoas não se conhecem mais. Os negros que habitavam a comunidade, muitos deles saíram. São os gringos que estão vindo e estão comprando. (Ivanete Aleluia – Vidigal)

— A mídia comercial sempre diz que a gente é minoria, que a gente não tem cultura ou que a gente precisa de alguma interferência do estado. Mas, na verdade, essa interferência do estado é sempre por meio da segurança pública e a gente sempre defende a ideia de que a gente é maioria, de que a gente tem cultura e que na verdade eles precisam controlar a gente porque a gente é revoltado, sim, com a nossa miséria, com a nossa pobreza, com o tanque de guerra que extermina a gente, com o caveirão que está exterminando a gente e com as UPPs que estão acabando com as nossas favelas. (Gizele Martins – Maré)

—… Minha Casa, Minha Vida é pra quem não tem moradia. A gente tinha teto, sim, em comunidade, mas tinha. (Francis da Costa – Favela do Metrô)

— A gente está numa região onde entrou a UPP… Então, a pessoa ser pobre, preto e favelado… fica complicado… A gente tem que estar sempre atento, o tempo todo. Ultimamente há tiros de manhã, tarde, horas em que as crianças estão voltando da escola… (Saulo – Ocupa Alemão)

— A gente vem sofrendo… mas isso não vai passar… A intenção da Prefeitura é a Cidade Modelo. Essa cidade que não é pra pobre, não é pra camelô, não é pra morador de rua… (Maria dos Camelôs)

— Lá vêm eles, os homens brancos! Oferecem teleféricos, planos inclinados e outros planos… Mas, eu – e a favela – não quero teleférico! Eles querem o teleférico. Eles querem subir a favela e não querem se cansar. Mas nossas vós, nossas mães, subiam com lata d’água na cabeça, lá vai Maria, lá vai Maria! Elas não tinham Kombi, não tinham carro, muito menos teleférico. Mas tinham a força de Canudos e da Favela. Lá vêm eles, os homens brancos… (Cosme Felippsen – Providência)

Visibilidade e harmonia

Há tantas outras pessoas aqui não citadas, mas creditadas ao longo dos episódios pelos realizadores. Vozes e consciências a quem Contagem Regressiva dá a respeitosa visibilidade de protagonistas da História, que lhes é negada pelos meios de comunicação reacionários e pela pequena-burguesia bem-pensante, essa que se julga dona do saber, mas que não passa de posseira da verdade de seus dominadores.

Tal respeitosa visibilidade não seria suficiente se fosse apenas intenção, gentileza, reverência. Pelo contrário, a reverência e a excessiva polidez podem impedir os documentaristas de irem a fundo na revelação dos fatos ou no registro dos acontecimentos. Podem retirar do filme (afinal, um documentário como este é, gostem ou não os cineastas, uma grande reportagem audiovisual) duas coisas essenciais à dramaturgia: veracidade e verossimilhança.

Contagem Regressiva não me haveria conquistado apenas pelas intenções e discursos de seus interlocutores. Em primeiro lugar, essas motivações precisam ser percebidas e entendidas. Seriam insuficientes as palavras e os gestos desses interlocutores/entrevistados se não as ouvíssemos e os víssemos com clareza, se as captações, mesclas e edições de som e imagem não nos possibilitassem entender cada palavra, olhar os falantes nos olhos, perscrutar seus gestos, situá-los nos ambientes a que pertencem. Sentir o prazer de raciocinar ao mesmo tempo em que a ação se desenvolve e apreender as sutilezas dos gestos, as particularidades de cada cenário. E sem explicitações, perceber que esta caixa de mudança é libertária. Nada impõe. Deixa ao espectador a responsabilidade pela sua própria transmutação..

Quer dizer, aquela respeitosa visibilidade dada aos protagonistas e ao tema iria por água abaixo se os realizadores do filme não garantissem sua inteligibilidade, sem abandonar a preocupação com a forma.

Contagem Regressiva é belo, franco, claro; muito bem dirigido, fotografado, editado, roteirizado e musicado. Se há algo a destacar, é a harmonia de seu resultado e o espírito libertário que o move. Mas preciso dizer com todas as letras: ao contrário de grande parte dos filmes e programas audiovisuais brasileiros a que tenho assistido, maravilhou-me entender cada palavra dita ou cantada e ouvi-las em comunhão com imagens tão belas e fortes.

Roteiro e Direção: Luis Carlos de Alencar;
Argumento Original: Justiça Global, Luis Carlos de Alencar e
Marcel Gonnet Wainmayer;
Fotografia e Finalização: Vladimir Seixas;
Produção: Couro de Rato; Realização: Justiça Global e Couro de Rato;
Edição: Ricardo Gomes e Ricardo Moreira;
Poesia Original e declamação: Elaine Freitas;
Música Original: Contagem Regressiva – Mano Teko e Mc Lasca
(Prod. Jorginho Matarazo); Trilha Sonora: Andrigo de Lázaro;
Videografismo: Isac Maia;
Produção Executiva: Vladimir Seixas;
Assistentes de Fotografia e Still: Caroline da Luz e Henrique Gluck ;
Acervo Fotográfico: Luiz Baltar; Acervo Videográfico: Jornal A Nova Democracia.

Interlocutores:
Irmã Fatima – Estradinha, Jorge Santos, Francicleide Costa, Léo Lima, Gizele Carolina, Deley De Acari, Vanderley Cunha, Saulo Augusto, Lucas Herminio da Costa, @Maria dos Camelôs, Ivanete Aleluia, Ângela de Morais, Orlando Santos Junior, Cosme Felippsen – O Favelado, Roberto Santos Oqg, Renato Cosentino, Marlon Rocha, Marina Ribeiro, Raphael Gennaro, Flavia Mello, Leila de Souza Netto, Helen Nzinga, Monique Lima.

[1] Nas películas em 3D se produz um simulacro de tridimensionalidade, fundamentalmente para aumentar o potencial mercadológico de “enlatados” cujas dramaturgias corriqueiras buscam efeitos catárticos com o fim de bloquear toda possibilidade de o espectador refletir sobre a “realidade” que lhe é oferecida.

[2] Antes de continuar: tenho consciência de que não devo ser o primeiro a ver esta relação entre filmes (ou outros registros em áudio, foto e audiovisual) com o espaço-tempo, mas não conheço ou tenho na memória texto relevante que me possa servir de referência.

[3] Tese para o concurso de Titular de Jornalismo da UFF escrita em 1993, defendida em 1994 e publicada pela Editora Gama Filho em setembro de 1999. Fora de catálogo, pode ser encontrada em sebos físicos e virtuais.

[4] A quem interessar, recomendo a leitura de Introdução à Teoria das Estranhezas, do filósofo Ued Maluf, especialmente, às páginas 74 e 75, as definições de unidade de alta complexidade e inseparabilidade.